Mucha gente conoce a Leonardo da Vinci por su faceta de inventor, pintor y escultor. Hoy veremos algunos de sus bocetos de dragones.

Mucha gente conoce a Leonardo da Vinci por su faceta de inventor, pintor y escultor. Sin embargo, a lo largo de su carrera Leonardo también elaboró numerosos bocetos que servirían como base para sus trabajos.

Especialmente interesante fue su interés por la figura mitológica del dragón...

Relacionadas:

• El gran dragón rojo y mujer vestida de sol, William Blake
• La dama del armiño, Leonardo da Vinci
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"La masía es el resumen de toda mi vida en el campo. Desde un gran árbol a un pequeño caracol, quise poner todo cuanto yo amaba en el campo.", Joan Miró

La masía, Joan Miró

La masía culmina y sintetiza todo el primer período de Joan Miró, antes de su evolución al surrealismo:

"No me propuse hacer una síntesis de mi obra precedente, sino que esto fue surgiendo a medida que trabajaba la tela. He de confesar que nunca tuve la conciencia de que con La masía terminaba el período realista y comenzaba una nueva época, porque no tenía ni idea de lo que a partir de entonces me deparaba el azar."

En el centro del cuadro se yergue un eucalipto que proyecta sus ramas al cielo, junto con el que conviven muchos de los temas que conformarán la obra del artista: el sol, la mujer, los animales del campo, los utensilios domésticos...

Aunque estos elementos son tratados aquí de manera realista, La masía incorpora también algunos rasgos distintivos del cubismo: la simultaneidad de puntos de vista, la introducción de tipografía o una cierta geometrización de las formas.

La importancia de este cuadro en la carrera del artista queda patente en algunos de los comentarios de Miró sobre la pintura y su realización:

"¡Nueve meses de trabajo arduo y constante! ¡Nueve meses pintando y borrando cada día y haciendo estudios y destruyéndolos después! La masía era el resumen de toda mi vida en el campo. Desde un gran árbol a un pequeño caracol, quise poner todo cuanto yo amaba en el campo. Creo que es insensato darle más valor a una montaña que a una hormiga (algo que los paisajistas no saben apreciar), por eso no dudaba en pasarme horas y horas para dar vida a la hormiga. Durante los nueve meses que trabajé en La masía invertía siete u ocho horas diarias. Sufría terriblemente, bárbaramente, como un condenado. Borraba mucho. Y empezaba a deshacerme de influencias extranjeras para ponerme en contacto con Cataluña."

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Cuando una doncella se transforma en una herida: la historia oculta detrás del cuadro "El hombre herido", de Courbet.

Gustave Courbet (1819–1877) fue un pintor francés y se considera el fundador y máximo representante del realismo. Un autor definido por quienes lo conocieron como ególatra, obsesivo, impulsivo, excesivo, generoso y apasionado:

"Si dejo de escandalizar, dejo de existir",
Courbet

Sin embargo, lo que mucha gente ignora es que algunas de sus pinturas presentan historias ocultas. Y es que bien por deseo o por necesidad este pintor solía reutilizar los lienzos y pintar sobre antiguas pinturas.

El hombre herido

Un caso interesante es el cuadro cuadro "El hombre herido", que muestra una imagen del autor yaciendo con una romántica herida en el pecho:

El hombre herido (Autorretrato),
Gustave Courbet

Sin embargo, un estudio mediante rayos X muestra que bajo esta composición se encuentra otra anterior en la que el autor aparecía abrazando a una joven doncella. La composición es similar al boceto siguiente, también del autor:

Siesta campestre, Gustave Courbet
Grabado similar a la pintura que apareció bajo El hombre herido

Historia de un cuadro

Parece claro que en cierto punto de la elaboración del lienzo el pintor decidió eliminar a la mujer, sustituyéndola por una herida en el pecho, como símbolo de un corazón desgarrado. Se cree que la figura borrada podría haber representado a Virginie Binet, supuesta amante del artista que lo abandonó en 1851.

Aunque probablemente Coubert se haya llevado a la tumba el secreto de quién fue verdaderamente esta doncella, sí se sabe que "El hombre herido" fue uno de los pocos cuadros que Courbet quiso conservar a lo largo de su vida, no permitiendo nunca su venta. Esto sugiere que la herida del Coubert verdadero fue tan profunda como la del Coubert retratado.

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El Juicio Final, pintura central de la Capilla Sixtina, presentaba tantos desnudos que autoridades religiosas decidieron "vestir" a sus personajes.

La Capilla Sixtina

La Capilla Sixtina es la capilla más famosa de la Ciudad del Vaticano. Fue construida entre 1477 y 1480, por orden del papa Sixto IV, de quien recibe su nombre.

Las pinturas que decoran sus paredes fueron realizadas por Botticelli, Pietro Perugino, Luca Signorelli... e incluyen la escena de El Juicio Final o El Juicio Universal, realizado al fresco por Miguel Ángel.

A continuación una visita interactiva a este espectacular recinto:

El Juicio Final

La pintura de Miguel Ángel, terminada en 1541, provocó un gran escándalo y múltiples críticas violentas debido a la gran cantidad de figuras desnudas que se representaban en la escena del juicio final, especialmente las de parejas en posturas comprometidas.

Así, varios obispos determinaron que el fresco no correspondía a un recinto sagrado, y acusaron a Miguel Ángel de herejía. A pesar de las peticiones para destruir el fresco, el papa Julio III era tolerante y no se preocupó por los desnudos. A su muerte, sin embargo, se decidiría la "corrección" del fresco colocando paños de pureza a todos sus personajes.

La persona que se ocupó de esta labor fue Daniele da Volterra, discípulo de Miguel Ángel, a quien, por este trabajo se colocó el sobrenombre de "Braghettone" (Pintacalzones). Miguel Ángel se enojó enormemente, no sólo por el hecho de alterar su mural, sino también porque las ropas que cubren los cuerpos se pintarían utilizando la técnica del óleo, mientras que toda la pared se encontraba pintada al fresco.

Curiosidades sobre El Juicio Final

Como curiosidad mencionar que Biaggio de Cesana, uno de los instigadores de la destrucción del freso, tendría su castigo: En la parte inferior derecha de la escena, a la entrada de los infiernos, Miguel Ángel representó a Minos, el rey del Infierno, desnudo, con orejas de burro, una serpiente enroscada a su cuerpo y con la cara de Biaggio de Cesana:

Dicen que el prelado acudió lloroso al Papa Pablo III para pedirle que ordenase a Miguel Ángel que lo retirara del mural, y que éste, con un gran sentido del humor, le respondió lo siguiente:

"Querido hijo mío, si el pintor te hubiese puesto en el purgatorio, podría sacarte, pues hasta allí llega mi poder; pero estás en el infierno y me es imposible.
Nulla est redemptio."

Fuentes: 1, 2, 3

La muerte de Cleopatra por la mordedura de un áspid es un instante congelado múltiples veces a lo largo de la historia del arte. Hoy repasamos algunas de estas pinturas.

Jean-Baptiste (baron) Regnault
La muerte de Cleopatra, 1796-99

Alexandre Cabanel
Cleopatra probando venenos con prisioneros condenados, 1887

Thomas Francis Dicksee
Cleopatra, 1876

Reginald Arthur
La muerte de Cleopatra

Massimo Stanzione
Cleopatra

Hans Makart
La Muerte de Cleopatra

Guido Reni
Cleopatra con el aspid

Gennari Benedetto II
Muerte de Cleopatra

Delacroix
Cleopatra

Giampietrino
Muerte de Cleopatra

John Collier
La muerte de Cleopatra

Benedetto Genari
La muerte de Cleopatra

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Mona Lisa del Prado: Recientemente se ha descubierto en los sótanos del Museo del Prado a la "pintura gemela" de la Mona Lisa. Ya se conoce como la Mona Lisa del Prado.

Parecía que casi todo estaba escrito sobre la pintura más conocida de la historia del arte. Sin embargo, se acaba de descubrir que uno de los discípulos de Leonardo da Vinci realizó una copia de la Mona Lisa mientras su maestro lo pintaba.

La Mona Lisa del Prado

Esta versión de la Mona Lisa permanecía en los sótanos del Museo del Prado. La pintura estaba cubierta por una capa de barniz que ocultaba completamente el fondo de la pintura, por lo que se creía que era una copia menor ejecutada por un pintor flamenco.

Tras su restauración y análisis, expertos aseguran que probablemente ambas obras fueron realizadas simultáneamente: mientras el maestro florentino pintaba su obra cumbre, su discípulo lo imitaba paso a paso.

La Mona Lisa y su "hermana gemela"

El autor de esta copia de la Mona Lisa fue Andrea Salai, discípulo, y más tarde amante, de Leonardo da Vinci. El tamaño de ambas obras es prácticamnete el mismo, y las similitudes, tanto en la figura de Lisa Gherardini, como en el paisaje del fondo son enormes. De hecho, la "hermana gemela" de la Mona Lisa es casi igual que la original, y se encuentra además en un mucho mejor estado de conservación. La similitud entre las dos obras se puede observar en esta comparativa en alta resolución:

Visitar la Mona Lisa del Prado

La Mona Lisa del Prado permanecerá en las paredes de la sala 49 del museo del Prado hasta el 13 de marzo.

Entre el 29 de marzo y el 25 de junio del 2012 la réplica madrileña de la Mona Lisa formará parte de la exposición "La última obra maestra de Leonardo da Vinci" en el Louvre, en París. La réplica madrileña no se podrá ver en la misma sala que su hermana gemela, tal y como se creía en un principio.

Después de esta excursión, La Mona Lisa del Prado volverá a casa, aunque pasará a compartir sala con obras de Rafael, Botticelli y hasta la mismísima Anunciación de Fra Angelico, en la sala 56b del museo. Así se puede ver la importancia que el museo da a este reciente descubrimiento. Por ahora ya se puede comprar merchandising en la tienda del museo.

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El Bosco pintó El Jardín de las Delicias a principios del siglo XVI, y aún constituye una de sus obras más enigmáticas. He aquí algunas curiosidades.

El Bosco pintó El Jardín de las Delicias a principios del siglo XVI, y aún constituye una de sus obras más enigmáticas. La obra está dividida en tres paneles independientes: el izquierdo representa al paraíso, el panel central, el más conocido, representa al mundo y sus placeres, mientras que el panel derecho hace referencia al infierno.

El Jardín de las Delicias, El Bosco
(ver en alta resolución)

El panel central, es el más insólito, mide 220×125 cm, representando un enorme jardín, lleno de hombres y mujeres desnudos entregados a diversos juegos amorosos. Se representa el Jardín de la Delicias, un mundo lleno de placeres donde el pecado de la lujuria lo inunda todo.

En una época donde el sexo se relegaba al mero acto de procrear, el cuadro muestra a hombres y mujeres con todo tipo de prácticas sexuales: heterosexuales, homosexuales, onanistas… los hombres practican el sexo con animales, con plantas, entre ellos…

En las dos esquinas inferiores del jardín hay dos escenas que aportan claves para la comprensión del panel. Por una parte, mientras muchos de los personajes del cuadro miran hacia el centro, el grupo de la parte inferior izquierda se abre y mira a la escena de Adán y Eva en el panel del paraíso. Así se resalta la importancia del engaño de Eva, que ha llevado a la situación que observamos en el mundo.

Por otro lado, en la parte inferior derecha, Adán y Eva son testigos desde la entrada de una cueva de todo lo que sucede en el mundo por su causa. Además, Adán, mirando al espectador, señala con un dedo acusador a Eva, haciéndola responsable de todo.

Ver en alta resolución: Museo del Prado
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La Venus del espejo es un tema mitológico recurrente a lo largo de la historia de la pintura. Tiziano, Rubens y Velázquez representarán su particular visión de esta escena.

La Venus del espejo es un tema mitológico recurrente a lo largo de la historia de la pintura. La escena presenta a la diosa Venus en una pose erótica, mirando a un espejo que sostiene el dios del amor, su hijo Cupido.

La Venus del espejo (óleo sobre lienzo)
Diego Velázquez, 1647-1651

La interpretación de Velázquez de este tema mitológico es muy provocadora. Velázquez presenta a la Venus tumbada en una cama, de espaldas. De la parte frontal de la Venus solo se muestra su cara, la cual aparece difuminada en el reflejo del espejo.

Se especuló que Velázquez la habría difuminado con posterioridad para proteger la identidad de la modelo (que podría haber sido la madre de su hijo ilegítimo). Sin embargo, recientes estudios indican que el cuadro fue concebido así originalmente.

Como anécdota mencionar que el cuadro La Venus del espejo (Venus de Rokeby) sufrió un atentado en 1914 por una sufragista militante. Mary Richardson asestó 7 puñaladas al lienzo que fue atacado con un hacha corta de carnicero, siendo necesaria su posterior restauración.

Venus del espejo (óleo sobre tabla)
Peter Paul Rubens, 1613-1614

La versión de la Venus del espejo de Rubens es una reelaboración de un lienzo de Tiziano. La diosa de la belleza también aparece de espaldas, contemplando su atractivo rostro en el espejo que pone ante sí Cupido, mientras una esclava negra peina sus dorados cabellos.

La postura de la diosa corresponde a los característicos escorzos tan admirados por el pintor flamenco, mostrando también el canon de belleza habitual en sus trabajos. En esta pintura la Venus recibe un potente foco de luz dorada procedente de la izquierda que crea un acentuado contraste con el fondo.

Venus del espejo (óleo sobre lienzo)
Tiziano, 1555

La versión de Tiziano es la primera representación conocida de esta escena mitológica. Esta obra inspiraría más adelante las obras de Rubens y Velázquez, e incluso la obra literaria La venus de las pieles (Venus im Pelz, 1870) del austriaco Leopold von Sacher-Masoch, que sería el origen del término masoquismo.

La figura de Venus, cubriéndose parte del pecho con la mano y el pubis con un rico manto de pieles bordado, se muestra de frente, reflejándose parcialmente en el espejo que sostiene un amorcillo. La luz resalta la blancura de la piel de la diosa, añadiendo un efecto atmosférico a la composición que parece difuminar los contornos.

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La Muerte de un Miliciano es una de las fotografías más famosas de Robert Capa, aunque ciertos reporteros e historiadores sugirieron que el soldado estaba posando.

La Muerte de un Miliciano (Robert Capa, The Falling Soldier) fue publicada el 12 de julio de 1937 por la revista Life con un subtítulo que rezaba:

"La cámara de Robert Capa capta un soldado español en el instante en que es alcanzado por una bala en la cabeza ante Córdoba".

Loyalist Militiaman at the Moment of Death, Cerro Muriano, September 5, 1936. Robert Capa

A pesar de que esta fotografía es considerada una de las dos mejores de Robert Capa, junto con la fotografía del desembarco de Normandía en Omaha Beach, varios historiadores dudaron de su veracidad a lo largo de la historia, planteando la duda de si el soldado estaba posando para esta fotografía.

La razón principal es que existía muy poca información concreta sobre esa fotografía. Sin embargo, hoy en día se conoce perfectamente la fecha, el lugar, e incluso el nombre del soldado fotografiado: Federico Borrell García.

Si aún quedan dudas, basta mirar el detalle de la mano izquierda del soldado mientras cae. La posición de los dedos con el puño semicerrado indica que el soldado ya estaba muerto en este punto. Sería muy difícil, aún cuando el soldado conociera este detalle, que forzara de forma consciente esta posición. Así, si el soldado estuviera posando, tendría la palma abierta y la muñeca girada para amortiguar la caída.

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Tras los horrores de la guerra civil española, artistas exiliados españoles decidieron expresar su ira a través del arte, así nació el Guernica, obra maestra de Pablo Picasso.

Guernica. Pablo Picasso, 1937

Ataque a Guernica

Al amparo de la oscuridad, el 26 de abril de 1937, aviones nazis atacaron la ciudad de Guernica. Guernica era una pequeña ciudad en el corazón de la región vasca de España. La intención de este ataque nazi era por una parte poner a prueba nuevas técnicas de guerra y al mismo tiempo apoyar al fascista Franco.

Esta fue la primera vez que se efectuaba una devastación a gran escala desde el aire. Esta técnica de guerra permitían a los pilotos la desconexión total de sus víctimas. Esto animó a los aviones no sólo para bombardear objetivos militares, sino todos los edificios de la ciudad, y a dar la vuelta una y otra vez para matar a tiros a todas las personas que pudieron encontrar, militares y civiles.

Creación del Guernica

En 1937 Picasso tenía el encargo de pintar un mural gigante para la exposición española en la Feria Mundial que se celebraría en París. Para ello el pintor barajaba ideas recurrentes a lo largo de su carrera, tales como un toro, representación de sí mismo y de España. Cuando se enteró del ataque a Guernica, a pesar de que despreciaba el arte político, Picasso no pudo evitar a hacer una declaración contundente en contra de la guerra y de Franco, a quien despreciaba.

En tan solo tres meses Picasso creó lo que sería una de sus obras maestras, el Guernica.

Simbolismo del Guernica

En el Guernica no existen elementos representativos de si se trata de una escena de interior o exterior. Sin embargo, la ausencia de color no es fortuita. El horror de la violencia está reflejado en los grises y negros que componen el cuadro. La bombilla de la parte superior podría aludir a las bombas que cayeron sobre la ciudad.

Una mujer rota de dolor, sostiene a su hijo en brazos, muerto, mientras lágrimas fluyen por su cara como si fueran ojos. El dolor también se representa a través de una mujer saliendo de un edificio en llamas, con los brazos levantados y la boca abierta mientras corre totalmente envuelta en fuego.

El toro, aturdido por lo que sucede mira a su alrededor, representa a España. La etapa cubista de Picasso aparece reflejada en el hecho de que múltiples perspectivas que se unen para formar una yegua, que berrea de dolor. Picasso dibuja también una paloma con un ala rota y el pico abierto, símbolo del fin de la paz, de la guerra.

La figura fantasmal que aparece en escena a través de una ventana abierta con una vela en sus manos podría ser una representación de la República, desconsolada al ver lo sucedido.

Entre todo este horror, se pueden ver atisbos de esperanza. Un hombre descuartizado, tirado en el suelo, sostiene en sus manos una estrella de cinco puntas y una flor. Además aparece una herradura, símbolo de la suerte, y el candil encendendido que porta el fantasma.

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Cabezas de la Isla de Pascua: A pesar de que no se sabe con certeza su origen ni función, estas espectaculares estatuas muestran cada vez más sus secretos.

La Isla de Pascua (cuyo nombre indígena es Rapa-Nui) es una pequeña isla de aproximadamente 80 kilómetros cuadrados situada en la Polinesia, en el Océano Pacífico. Esta isla es famosa por unas gigantescas efigies de piedra, conocidas también como moái o Cabezas de la Isla de Pascua.

Las estatuas más espectaculares se encuentran en las laderas del Rano Raraku. Sus narices prominentes y sus delgados labios se proyectan hacia adelante en un gesto de burla y desdén. Presentan proyecciones descendentes a los lados de las caras, que pueden representar orejas alargadas o una prenda para la cabeza.

El significado de los moáis es aún incierto, y existen varias teorías en torno a estas estatuas. La más extendida indica que estas estatuas fueron talladas entre los siglos XII y XVII por los nativos de las islas como representación de sus ancestros. Las cabezas de la Isla de Pascua debían situarse sobre plataformas ceremoniales (ahus) con sus rostros hacia el interior de la isla, y su función sería proyectar su maná (poder sobrenatural) sobre sus descendientes.

Sin embargo hay curiosidades de los moáis que son hoy aún poco conocidos:

1. A pesar de que se representan siempre como estatuas monolíticas de piedra, se sabe que originalmente presentaban ojos compuestos por coral o por roca volcánica roja, de forma que creaban la impresión de ser un rostro vivo del ancestro. Del mismo modo se han encontrado piedras volcánicas con la forma de un cilíndro de 1,8 x 2,4 m. Estas piedras podrían haber representado sombreros de color rojo colocados sobre algunas de las estatuas.
   
   
   
   
   
   
   
   
2. Otra característica poco conocida de estas estatuas, es que además de la cabeza en algunos casos presentan un enorme cuerpo enterrado bajo la superficie. Nada mejor que una fotografía para apreciar a los moáis en todo su esplendor:
   
   
   
   
   
3. En la isla existen diferentes grupos de estatuas, pudiendo presentar distintos significados o funciones:
   
   • Doscientas setenta y seis hacen guardia en las laderas del volcán.
   • Trescientas están derribadas sobre los ahus situados en los altos acantilados que rodean la isla.
   • Algunas están a lo largo de antiguos caminos.
   • Otras ochenta se quedaron sin terminar.
   
   
   

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"El gran dragón rojo y mujer vestida de sol", de William Blake representa la lucha entre el Bien y el Mal.

El gran dragón rojo y mujer vestida de sol. William Blake

"El gran dragón rojo y mujer vestida de sol" es una pintura cargada de simbología que representa la lucha entre el bien y el mal, entre la mujer vestida de sol y el dragón rojo.

El personaje principal se corresponde a un ser mitológico de espaldas, que describe el autor en el título como "el gran dragón rojo". Sin embargo la imagen no se corresponde con el dragón oriental clásico, sino que se presenta una figura de musculatura humana, a excepción de las alas, la cola y los cuernos, similar a un demonio.

Por otra parte, la figura de la mujer está relegada a la parte inferior. Su rostro muestra una expresión de temor, miedo y fascinación, produciendo un fuerte interés en el espectador hacia un rostro que no se ve, el del demonio. Así, la ubicación del demonio de espaldas no es casual, ya que incita a imaginar un rostro desconocido, terrible.

El cuadro "El gran dragón rojo y mujer vestida de sol" podría ubicarse dentro de la obra de Blake referida a sus visiones apocalípticas, ya que presenta una escena descrita en el libro del Apocalipsis:

"Y apareció en el cielo un gran signo: una Mujer revestida del sol, con la luna bajo sus pies y una corona de doce estrellas en su cabeza. Estaba embarazada y gritaba de dolor porque iba a dar a luz.

Y apareció en el cielo otro signo: un enorme Dragón rojo como el fuego, con siete cabezas y diez cuernos, y en cada cabeza tenía una diadema. Su cola arrastraba una tercera parte de las estrellas del cielo, y las precipitó sobre la tierra.

El Dragón se puso delante de la Mujer que iba a dar a luz, para devorar a su hijo en cuanto naciera."

Apocalipsis, capítulo 12

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Alexander Calder (1898-1976) fue un escultor estadounidense conocido como el padre de las esculturas móviles y precursor de todo el arte cinético posterior.

La estrella. Alexander Calder. 1960

A pesar de que Alexander Calder construía tanto esculturas estáticas como móviles, su fama viene dada por estas últimas, estructuras abstractas que movían suspendidas en el aire. Estas presentan una delicada apariencia, de forma que parecen flotar en el aire. Las formas geométricas sencillas y abstractas de sus obras surgieren de la influencia del pintor Miró.

Para construir estas esculturas móviles Calder utiliza materiales ligeros, como el alambre y chapa, con características que provocan el cambio de textura y color en función de la iluminación. En una época de escultura estática, Alexander Calder inventó el concepto de móvil.

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Bansky es el seudónimo de un artista del graffiti británico, cuyas obras critican a través de la ironía la sociedad del consumo, la guerra, racismo...

No se conoce su verdadera identidad. Sin embargo, se cree que Bansky nació en 1974. Hijo de un técnico de fotocopiadoras, se vio implicado en el graffiti durante el boom del aerosol de finales de la década de 1980 en Bristol (Inglaterra).

Bansky combina el graffiti tradicional con el uso de plantillas (stencils, del inglés), pudiendo reutilizar las plantillas en diversas obras. Su trabajo se compone principalmente de piezas satíricas sobre política, moralidad, grupos minoritarios... pero lo mejor es ver algunos ejemplos:

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